Se cumplen ahora 25 años del estreno en la Feria de Teatro en el Sur de Palma del Rio 1998  de la versión teatral sobre ‘Poeta en Nueva York’ que Imperdible puso en pie con motivo del Centenario del nacimiento de Federico García Lorca. Desde aquel momento la trayectoria de la compañía se iba decantando claramente por un teatro de imágenes, ambientes y sensaciones apoyado sobre nuevas tecnologías.

El poemario surrealista de esta obra cumbre de la poesía en lengua castellana ofrecía una posibilidad más que oportuna para profundizar en nuevas ideas sobre la puesta en escena y sobre cómo convertir textos poéticos en dramaturgia. Esta mezcla compuso un espectáculo que, aún hoy, se recuerda como una de las propuestas más arriesgadas y emotivas que se hicieron como homenaje en el Centenario del poeta. La evidencia fue que más de 300 funciones y 15 países contemplaron nuestra particular mirada.

Ahora después de 25 años, y aunque no ha llovido tanto como quisiéramos, muchas manifestaciones de las artes escénicas van entrado en la era de la Inteligencia Artificial y de la Poética del Meta-Verso, elementos contemporáneos que Federico ya apuntaba en su escritura.

Los versos crípticos, premonitorios, amargos, repletos de imágenes que sobrecogen por su belleza del poemario ‘Poeta en Nueva York’, retratan de manera contundente la esencia del poeta y en ellos se nos desnuda el Lorca mas oscuro y personal.

Esa esencia  es la que he querido transmitir con este proyecto escénico-expositivo en el que Federico, muñeco de sí mismo, encerrado y volátil trata de huir de sus propios versos. ‘Esencia de Federico’ es un pensamiento que aparece dibujado en el aire, que no se puede tocar y que no tiene materia, “esencia es humo, niebla, aire, poesía y vida” es la esencia de un poeta.

Imperdible Artes Escénicas es una empresa de producción de espectáculos y de gestión de un espacio escénico. Esta doble vertiente en su actividad la hacen un referente del teatro contemporáneo en la comunidad andaluza. Nace en el año 1980 y va desarrollando desde entonces un lenguaje escénico propio que el público y la crítica reconoce hoy como “imperdible”. Afincada en Sevilla, donde ha estado gestionando desde 1989 un teatro propio: la Sala La Imperdible, un referente nacional del teatro independiente. Desde el año 2008 hasta 2019 el Teatro Duque-La Imperdible, y actualmente otro espacio emblemático de la ciudad llamado Platea Odeón-Imperdible situado en un espacio muy singular: la antigua estación central de trenes de Sevilla. En los últimos años la compañía ha roto las barreras que la definían como compañía de teatro únicamente y ha extendido y diversificado su trabajo con nuevos caminos donde desarrollar su potencial expresivo y creativo.

Gata Brass Band, fundada por el saxo Diego Pecharromán, es una explosiva agrupación que combina el funk, jazz y música de Nueva Orleans con un toque especial de la música española.  La banda formada exclusivamente por instrumentos de viento (saxo, trompeta, trombón y sousafón) y percusión incorpora el beatbox y la voz para generar una sonoridad muy original y creativa. 

Sus conciertos mezclan diversos elementos, como espectaculares juegos de luces y sorprendentes actuaciones escénicas, conquistando al público de todas las edades.

La Gata no solo interpreta clásicos del género, sino que también presenta composiciones propias con influencias de la música del mundo, aportando un sabor único y auténtico a sus actuaciones. Su energía contagiosa y su habilidad para involucrar al público hacen de Gata Brass Band la elección perfecta para cualquier evento.

En el pasacalles ‘New Orleans Parade’ la banda te transporta a Nueva Orleans y convierte cualquier evento en una auténtica fiesta llena de energía, ritmo y música muy alegre. Inspirado en los desfiles típicos de los eventos sociales de la ciudad de Louisiana, el pasacalles de Gata Brass Band es pura energía y diversión gracias a los ‘riffs’ funk, el ritmo tradicional ‘second line’ y los pegadizos ‘grooves’ que harán bailar al público sin parar, el principal objetivo de la banda.

Por su parte, el concierto Beatbox & Brass es un “cóctel enérgico explosivo” que te sumerge en el rico universo rítmico del funk a través de la potente sonoridad de los instrumentos de viento, los genuinos sonidos del “beatbox” y las voces. Todo ello aderezado con influencias del rock y la electrónica; y la improvisación del jazz. El resultado es un espectáculo potente, enérgico y visual para bailar con mucha interacción con el público para hacerle partícipe del espectáculo.

‘About Bunny’, título con el que se presenta por primera vez de Feria de Palma la compañía de Lucía Vázquez, es un cántico a la alegría y el dolor de la pasión amorosa, rebosante de una intensa y delicada sensualidad. Una producción para la que Miguel Marín ha creado una banda sonora envolvente que abraza la coreografía creada por Lucía Vázquez donde predominan los paisajes sonoros y las canciones de amor.

En este nuevo espectáculo nos hablan de los hombres pausados, de aquellos que habiendo vivido mucho, se sienten atrapados. De hombres que pudiera ser que hubiesen superado un episodio ocurrido. De hombres que viven esperando, en pausa. Entre otros, de ese que después de tantas y tantas relaciones es incapaz de enamorarse y aún espera al gran amor de su vida. 

Con el cuerpo y la palabra cantada como fuente poética, los dos artistas realizan un viaje por diferentes situaciones emocionales donde se demuestra su compromiso por permanecer juntos. Vivir el día y la noche. Pasarán desde la felicidad de los comienzos hasta las tinieblas de la relación, sin olvidar la inercia de los días que pasan, las dudas de haber elegido a la persona correcta y la ilusión de un amor ideal que nunca llega. Los simples detalles emergen en la pieza reconstruyendo las corazas que oprimen el pecho, y la danza y la palabra ofrecen el poder de acceder a la plenitud de la vivencia de nuestros cuerpos. 

Miguel Marín ha creado esta para esta pieza una banda sonora envolvente que abraza la coreografía creada por Lucía Vázquez. En una sociedad donde amar a alguien se está convirtiendo en algo raro, solo apto para valientes, se hallan BunnyWoman y BunnyMan. Entre ellos se establecerá una conversación a dos, en un viaje a través de diferentes situaciones emocionales.

Bailarina y coreógrafa, Lucía Vázquez se formó como bailarina clásica y después becada en el Centro Andaluz de Danza, se gradúa en Danza Contemporánea y Técnica Superior en Diseño y ArtesPlásticas (Estilismo de la Indumentaria). En sus piezas ha desarrollado una línea de trabajo con fuerte influencia japonesa (ya que estuvo cuatro años afincada en Tokio), estableciendo estrechos vínculos con artistas de ese país.

Presentó ‘Crumpled’ junto a Saori Hala, la premiada pieza ‘Flying Birds’ con el bailarín de butoh Nobuyoshi Asai y más recientemente con Satoshi Kudo, con quien ha producido la galardonada ‘Mazariy Hasekura project’.

De regreso a España, ese produce el encuentro con Miguel Marín. Como creadora ha presentado sus obras en festivales de España, Italia, Japón, Corea del Sur, China e India, y como docente ha impartido  clases en Studio Harmonic (París), TNG Academy(Tokio), Attakkalari Centre (Bangalore) y el Conservatorio Profesional de Danza Maribel Gallardo, entre otros. Como intérprete ha trabajado para Manuela Nogales, Poliana Lima, Bárbara Sánchez y Álvaro Frutos, entre otros. Y ha colaborado con Guillermo Weickert, Miguel Marín, Abraham Hurtado y Andrés Marín.

Por su parte, el músico y compositor musical Miguel Marín comenzó en el mundo de la música a los nueve años tocando la batería y percusión. De padre bailaor y madre cantante (sobrina nieta de La Niña de Los Peines). También conocido como Arbol y Montgomery en sus trabajos discográficos, así como por sus bandas sonoras para Bigas Luna, Chema de la Peña, Jack David y Richard Job son entre otros, y sus trabajos con compañías de danza como: Guy Nader y María Campos, Carlos Acosta, Teresa Navarrete, Thomas Noone, Rambert, Decalage, Chameleon, Víctor Zambrana, Cecilia Colacrai Camille C. Hanson, Gero Dominguez, Belén Maya, Marcos Vargas & Chloe Brulé, Tanz Mainz, Braunchsweig, K-Nap, Eva Duda, Erre Que Erre. Lali Ayguade,T om Weksler & Roser Tutusaus,y Melisa Calero. entre otros.

El actor Pedro Casablanc y el director Xavier Albertí firman un homenaje a Gómez de la Serna y Valle-Inclán con el espectáculo ‘Don Ramón María del Valle-Inclán’, una de las sensaciones más recientes de la temporada teatral madrileña. Producción de Teatro Español y Bravo Teatro, ‘Don Ramón María del Valle-Inclán’ brinda un homenaje a la vida y obra de dos autores fundamentales para entender las vanguardias españolas del siglo XX.

Acompañado por el pianista Mario Molina, Pedro Casablanc interpreta a Gómez de la Serna en un espectáculo que combina la música de Beethoven con el cuplé y la zarzuela de la época. Y donde Xavier Albertí elabora una nueva dramaturgia a partir del retrato que Ramón Gómez de la Serna realiza de su admirado Ramón María del Valle-Inclán.

Albertí toma como referencia la biografía que Gómez de la Serna escribió sobre Valle-Inclán desde su exilio en Buenos Aires para elaborar un espectáculo musical que nos invita a conocer en profundidad los mecanismos creadores de Valle, su compromiso irreductible, su posicionamiento ético en el mundo y cómo todo ello generó una de las obras cumbre de nuestra literatura: el esperpento. A través de su vida y obra, Gómez de la Serna nos acerca las herramientas de análisis, los instrumentos de disección y el canon estético para descubrir en profundidad a Valle-Inclán. 

Los protagonistas regalan al público un espectáculo musical que su director define como un ‘monodrama’. “El espectáculo es raro en el sentido de que podría ser un texto con música que lo acompaña. Pero la música no tiene una función incidental, sino que intenta conectar con las entrañas del texto. Es un texto escrito con una cierta conciencia físico-acústica que busca una acupuntura acústica, convertir la palabra en música”. En palabras de su protagonista, “el espectáculo cuenta la vida, la obra, el compromiso y la aventura de Valle-Inclán. Esta es una semblanza que Gómez escribe con admiración y devoción a su maestro, de la cual Xavier Albertí parte para convertirla en un acontecimiento teatral y musical que cuenta vida, milagros y frustraciones del dramaturgo”, explica Pedro Casablanc. 

La obra, en palabras de Xavier Albertí, nos invita a recorrer otro camino, más cercano a la intimidad, a la realidad cotidiana, a la valoración de unos principios éticos a veces ensombrecidos por la distorsión. Nos invita, en fin, a conocer en profundidad los mecanismos creadores de Valle, su compromiso irreductible con su posicionamiento ético en el mundo y cómo todo ello genera una de las obras cumbre de nuestra literatura. Porque en ‘Don Ramón María del Valle-Inclán’ se produce un doble retrato, el del retratista y el retratado, los dos Ramones: “Viajando hacia la vida, la obra y el alma de Valle-Inclán podemos observar sus herramientas de análisis, sus instrumentos de disección, su canon estético. Así se produce el milagro de la suma estilística y vital de dos creadores literarios esenciales para entender una buena parte de las vanguardias españolas del siglo XX. Muchas han sido las aproximaciones ditirámbicas hacia la figura de Valle, esperpénticas incluso, para hacer honor al género por él bautizado”.

Los miembros de Bravo Teatro llevan desde los años 70 trabajando en el teatro tanto para compañías privadas como para teatros públicos, desempeñando labores tanto en la parte técnica como en ayudantías de dirección y producción hasta que en 1998 deciden empezar a producir espectáculos propios animados por Adolfo Marsillach y Mercedes Lezcano.

‘Mujeres ‘de Mercè Rodoreda, ‘Otoño en Familia’ de James Saunders, ‘Danza Macabra’ de Strindberg, ‘Conversación con Primo Levi’ de Ferdinando Camon y ‘Extraño Anuncio’ de Adolfo Marsillach son sus inicios en la producción, todos bajo la dirección de Mercedes Lezcano. Un Picasso de Jeffrey Hatcher y Yo soy Don Quijote de la Mancha de José Ramón Fernández son otras de nuestras producciones.

Más recientemente, ‘Caminando con Antonio Machado’ de José Sacristán y ‘Muñeca de Porcelana’ de David Mamet son otros trabajos como productores de Bravo Teatro.

Atalaya Teatro, que aborda por vez primera una obra de Samuel Beckett, se presenta en Feria de Palma con el montaje ‘Esperando a Godot’. En escena, cuatro de los más veteranos actores y pedagogos del grupo que, a lo largo de un cuarto de siglo, han tomado parte en la mayor parte de los montajes creados por Atalaya.

El texto sigue con fidelidad al autor (ya que, por otro lado, Samuel Beckett no permite versión ni adaptación alguna) pero con un ritmo vivo que lo aleja de las visiones demasiado densas y oscuras que tanto se prodigan sobre la obra becketiana. En el montaje se ha puesto el acento en su carácter de tragicomedia, un estilo en el que Atalaya se maneja muy bien como muestran las versiones de ‘Celestina’ y ‘Divinas Palabras’, las dos obras más representadas por Atalaya en toda su trayectoria. En esta ocasión, sin embargo, no aparece el tono telúrico de dichos montajes, sino que predomina un clima que bien pudiera asemejarse a las pinturas de Magrite o los dibujos de El Roto, sin olvidar la influencia del teatro de la muerte y de los objetos de Tadeusz Kantor.

Si con Molière la compañía de Ricardo Iniesta se adentró por vez primera en una comedia,  llegó el momento de transitar el teatro del absurdo y, en especial, su máximo referente: Samuel Beckett, un autor que nunca había formado parte de sus montajes, a pesar de que en muchos talleres de TNT y Atalaya se ha trabajado con textos suyos. Por todo esto se elige llevar a escena la obra cumbre del teatro del absurdo, ‘Esperando a Godot’, poco escenificada por el teatro andaluz, que cumple en 2022 y 2023 los 70 años desde su publicación y su estreno.

Para ello, explica la compañía, “contamos con cuatro de los actores más veteranos y con más capacidad para generar la atmósfera tan particular que requiere la obra. Dos de ellos comenzaron en 1995 con Atalaya, otra en 1996 y otro en 2001; es decir que entre los cuatro suman casi cien años en las giras con Atalaya. Ahora, con ese bagaje de edad y experiencia tienen la credibilidad necesaria para encarnar a estos personajes tan especiales como son Vladimir, Estragón, Pozzo y Lucky, cuyo universo no admite caracterizaciones forzadas, tal como exigía el autor”.

Atalaya se ha convertido en una de las compañías españolas más prestigiosas y referente del teatro de investigación. Así lo han subrayado los críticos más prestigiosos y así lo señalo el jurado que le concedió el Premio Nacional de Teatro 2008 “por la creación de un espacio original de exhibición, producción, formación y reflexión teatral, resultado de una larga trayectoria profesional”.

A lo largo de sus 40 años de trayectoria –que están celebrando en  2023– ha recorrido más de 600 teatros de 50 países del mundo en los seis continentes y la totalidad de las provincias españolas. Ha participado en casi 200 festivales internacionales y obtenido 60 premios, 5 de ellos internacionales en países extracomunitarios.

Atalaya ha llevado a escena a muchos de los más grandes dramaturgos universales: los trágicos griegos, Shakespeare, Rojas, Molière, Brecht, Valle, Lorca, Maiakovski, Müller, Weiss…: «Tras escenificar en los últimos años tres textos clásicos, que siguieron a tres contemporáneos, «tocaba» regresar a los autores más vanguardistas del siglo XX; no queríamos volver a Brecht, a Lorca o a Valle, Atalaya tenía una asignatura pendiente».

“Ciertos asuntos exigen la generosidad del olvido y otros demandan la sinceridad el recuerdo”. Daniel Baremboim 

La compañía LavíeBel, con 30 años de actividad ininterrumpida, regresa a Feria de Palma con un musical contemporáneo bajo el título de ‘Rancho Porlier’, una historia sobre el pasado con una puesta en escena actual.

La historia de ‘Rancho Porlier’ no es sino una historia de amor a partir de sucesos y personajes reales procedentes, algunos de ellos, de la propia biografía familiar de su creador. Enmarcada en el periodo de tiempo y los acontecimientos que transcurren desde 1932 hasta 1945, tres espacios de Madrid ubican la acción: el Rancho Grande, la cárcel de Porlier y el Cabaret Satán. Marcos y Ana son los nombres de los protagonistas y junto a ellos están los vecinos del Rancho, los presos de Porlier y los artistas del Satán, personajes en muchos casos reales, con los que Goyanes conforma este retrato colectivo. 

Explica Emilio Goyanes, su director,  que ya en 1983 tenía la intención de hacer este espectáculo: “Mi padre llevaba años hablándome sobre el Rancho Grande y la Cárcel de Porlier. Esta idea ha estado reclamando su sitio durante cuatro décadas y por fin en 2020, gracias al confinamiento, empezó a tomar forma.  A lo largo de 2 años, he vivido rodeado de personajes reales e inventados. Primero sobrevuelan la habitación, luego toman tierra y empiezas a conocerlos a fondo. Sabes que la historia que quieres contar está ahí, tu tarea es descubrirla… y es la historia de tu familia, de muchas familias. Te subes a tu árbol genealógico y cantas como un pájaro. Por más dura que sea la historia la piensas sin rencor. Como decía la Princesa Leia: “tener rencor es como beber veneno y esperar a que se muera el otro”. 

De esta forma, LavieBel propone un viaje emocional que pone el acento en esa generación de gente dura que, a pesar de las circunstancias, “supo salir adelante sin perder la dignidad para convertirnos en lo que somos. Hablamos de nuestra gente. Los llevamos en el código genético…”. 

Una historia sobre el pasado con una puesta en escena actual: lenguaje coreográfico contemporáneo, teatro documento, meta teatro, acciones simultaneas, humor infiltrado, cambios de personaje a la vista, luz robótica, proyecciones cenitales: rock, electrónica, soul, reague, electrotango, electroswing, 9 canciones y 7 escenas rapeadas… Rancho Porlier (2022), forma parte de una trilogía junto a Cabaret Caracol (2000) y La Barraca del Zurdo (2010). 

El musical cuenta con la supervisión en el movimiento escénico y las coreografías de Isabel Vázquez y el asesoramiento de la rapera malagueña Eskarnia. Su banda sonora —rock, música electrónica, soul, reggae, tango y swing electrónicos y rap— está interpretada por un combo tan experimentado y versátil como el formado por Larisa Ramos, Antonio Leiva, Clara Pérez, Antonio Molina y Raquel Criado.

Emilio Goyanes explica que, a golpe de trabajo, «se ha ido conformando un sello: LavieBel, que nos define y nos hace reconocibles: teatralidad, lenguaje físico lleno de imágenes, intérpretes versátiles que cantan, bailan e interpretan con recursos muy variados, cercanía con el público, contraste de ambientes y emociones, reinterpretación del lenguaje contemporáneo, del universo del cabaret, el teatro musical, la barraca de atracciones…».

30 años de actividad ininterrumpida y 34 espectáculos a sus espaldas han situado a Laviebel en un lugar de privilegio en el ámbito del teatro musical y el cabaret en nuestro país. Es un referente por su entrega, compromiso y libertad creativa. 2200 funciones que han visto mas de 500.000 espectadores por toda España y Giras en Cuba, Colombia, México, Francia y Portugal, entre otros.

‘Don Quijote nómada’ es un espectáculo de títeres y cine en directo de la compañía BricABrac Teatro, impulsada por Elena Bolaños y Matthieu Berthelot. En este proyecto fusionan lo artesanal y analógico de nuestra infancia con las nuevas herramientas de comunicación, permitiendo el abrazo de la poética tradicional con la poética tecnológica.

Los personajes construidos en papel emanan del libro como si el sueño de Cervantes cobrara vida a partir de la materia prima de la que están compuestos los libros, y cinco cámaras repartidas por los sets de grabación recogerán los diferentes puntos de vistas que se irán ordenado en directo para contar esta renovada versión del más clásico de los clásicos.

La compañía BricAbrac Teatro nace en 2005 con el estreno de su primer espectáculo ‘C ́est la vie’, por el que reciben numerosos premios y excelentes críticas por toda la geografía.

Desde entonces sus espectáculos han sido fruto del trabajo constante, la perseverancia y la especialización de sus componentes en el desarrollo de diversos roles; ya que ellos mismos desarrollan las propuestas como un producto artesanal, realizando los textos, las músicas, la propuesta plástica y la puesta en escena como un trabajo construido a la par en continua comunicación para que todas las capas del discurso escénico estén en coherencia.

Este gusto por lo artesanal y la producción a fuego lento a derivado en una evolución en cuanto a la forma de contar, los integrantes de BricAbrac Teatro con formación en realización audiovisual, están viviendo una transformación en su plástica y su narrativa, sin perder la esencia en su forma de crear. ‘Don Quijote Nómada’ será el primer proyecto donde desarrollan este primer contacto con el nuevo lenguaje de cine en directo, un reto hermoso que están deseosos de mostrar.

Escenoteca estrena en Feria de Palma su nuevo espectáculo, bajo el título de ‘Animalitos. Una historia trocha’. Pepa Muriel explica que trochería es un término utilizado en Huelva que hace referencia a decir tonterías sin pies ni cabeza. Una historia trocha es pues una historia tonta. 

Mariquilla es una niña hecha de espuma de mar, arena caliente y papas aliñás. Y a veces es feroz, como el lobo de la tos.  De pequeña era muy trocha y muy traviesa. Su vecina siempre le decía riéndose a carcajadas que ella era muy mala, más mala que una rata cana “criá” en una chumbera. Y Mariquilla se lo creyó. Cuando nació su hermano pequeño, su madre enfermó y sus padres hicieron un viaje para visitar a un médico muy bueno pero muy caro y que vivía muy lejos. Se llevaron al viaje al hermano pequeño, pero a ella la dejaron en casa con los abuelos. Una madrugada Mariquilla decide escaparse, escondida en un canasto, en busca de sus padres…. Mariquilla de pequeña, no sabía que a pesar de todo ella era buena.

Pepa Muriel se puso al frente de Escenoteca en 2002, con el objetivo de trabajar conjuntamente las Artes Escénicas y la Educación. La necesidad de transformar el teatro en un acto educativo y la educación en puro espectáculo es lo que hizo nacer este proyecto de arte, educación y cultura, en un intento también de alejarse de la didáctica mal entendida, así como en la voluntad de trabajar  en nuevas dramaturgias para nuevos públicos.

Esa idea hizo que Escenoteca se plantee de forma transversal sus trabajos y propuestas escénicas, mediante los que recorren y llevan a los niños a la literatura, a la danza, al cine, al arte contemporáneo, a los museos, a la naturaleza y  al refuerzo de los lazos intergeneracionales con sus familias: “Creé el proyecto Escenoteca, arte y educación, hace ya muchos años, para ponerle nombre y habitar el espacio que comparte las artes escénicas, la narración oral y la educación.  Desde 2002 juego con el arte y la educación… Cuento sobre lo que me emociona”.

Una historia sencilla sobre cosas complicadas

La compañía portuguesa Particulas Elementares se presenta en la programación de Feria de Palma con su espectáculo ‘¡Quiero la Luna!’, una delicada propuesta de teatro de marionetas de mesa, en un escenario dividido en varias maletas, que se van abriendo de escena en escena al servicio de una historia que se sucede de forma emotiva, sorprendente y pedagógica.

Un deseo imposible da lugar a una historia en la que el amor es el punto de partida para todo lo demás. Una historia sobre los sentimientos y su naturaleza, en la que el querer gana una dimensión tan grande que la posibilidad de que algo ocurra se convierte en una falsa cuestión.

‘¡Quiero la Luna!’ es la historia de una niña que se llama Alice, que vive en un país junto al mar y tiene todo lo que una chiquilla podría querer. Pero le falta la más importante de todas: la Luna. Tan importante que cae enferma e imprime en su padre una inmensa voluntad de hacer realidad su sueño. ¿Pero será la Luna lo que realmente quiere Alice? ¿Podrá su padre cumplir sus deseos? Él piensa que sí, aunque solo sea porque es el Presidente. Y un Presidente siempre lo consigue todo. Aunque… ¡¿la Luna?!

La compañía de Leonor Bandeira y Carlos Silva muestra que un auténtico amigo puede ser la llave para cumplir todos nuestros deseos, y que aquello que a los ojos de un niño es intangible en realidad es fácil de alcanzar.

En el mundo mágico de los títeres, materializan las emociones, las vivencias, las aventuras y las historias de unos y otros personajes, todo ese universo que se convierte en recuerdos que se conservan durante toda la vida. Pedazos fantásticos del tiempo, que ayudan a descubrir las realidad de otras vidas, unas vidas apasionantes y cautivadoras, creadas con objetos de nuestro día a día, lo que pone en valor la sencillez con la que cuentas las historias.

De representación en representación, de cuento en cuento, la compañía Partículas Elementares lleva al escenario una complicidad sin parangón entre quien hace y quien asiste, en un tierno vínculo que implica toda una serie de emociones desde el primer instante. Historias sencillas, llenas de sentimientos y enseñanzas para aprender y aprehender, dan cuerpo a una compañía que es vehículo de reinvenciones y deconstrucciones de la vida. 

En marcha desde el 2003, la compañía portuguesa de teatro de marionetas tiene como objetivo principal la combinación de diferentes expresiones artísticas como música, poesía, escultura, pintura, entre muchos otros oficios que se funden en unas representaciones de pura magia, siempre con una vertiente pedagógica. Con producciones propias, Partículas Elementales Teatro de Marionetas se ha convertido en una referencia en el medio, con un público amplio que incluye tanto a niños como adultos.

Primera coproducción entre la compañía Desguace Teatro y Ana Santa Cruz, llega a la programación de Feria de Palma  el espectáculo ‘Pepo y Pepe’,  una historia de amistad intergeneracional donde la edad y la imaginación se cruzan en el destino.

La propuesta de Desguace Teatro presenta a Pepo, un niño de 8 años al que le gusta jugar con su patinete nuevo y su colección de caracolas: “Muchas veces voy a visitar a mi amigo Pepe pero no es un niño como yo; él tiene… umm…. Anda, no sé cuántos años tiene porque a veces me dice que tiene más años que Matusalén y yo no conozco a ese señor. Tendré que esperar a su cumpleaños. Me hace reír. Con Pepe juego mucho y también me lee sus libros y yo le cuento mis cosas, aunque a veces me dice que le pongo la cabeza como un bombo. Bueno, espero que me sigas conociendo y que también seamos amigos y amigas. Adiós, que tengo que visitar a Pepe…”.

Después de pasar por distintas formaciones teatrales Gema Rancaño y Tomás Pombero deciden formar en el año 2001 la compañía de títeres Desguace Teatro. En los comienzos realizan dos espectáculos de títeres ‘El hermano mellizo de Dios’ de Manuel Gómez y ‘Las estaciones de Trapo’ de Carmen Pombero, pero es en el 2006 cuando se dan a conocer gracias a la dirección de Claudio Hochman con ‘Cuentos de Pan y Pimiento’ en la Feria de Palma del Río, donde reciben el premio Compañía Revelación.